Wie üblich bei (den guten) Filmfestivals gab es auch jede Menge Möglichkeiten zum Austausch zwischen uns Kollegen und man lernte nicht nur die Filme der anderen Filmemacher kennen, sondern auch die Teams selbst. Außerdem kamen wir in den Genuss, meinen Film „Starfood – Sushi im Weltall“ endlich mal auf der großen Leinwand zu erleben.

„Starfood – Sushi im Weltall“

Zur Erinnerung: „Starfood“ ist ein Kurzfilm, den ich im Auftrag des Jungen Schauspiels in Düsseldorf im Rahmen des internationalen Projekts 10children.org mit Schülerinnen des Marie-Curie-Gymnasiums in Düsseldorf gedreht habe. Das Projekt, in dessen Rahmen auch das Theaterstück „Das Pommes Paradies“ von Regisseurin Liesbeth Coltof und Autor Akın Emanuel Şipal und der Dokumentarfilm „Stiller Hunger“ von Eren Önsöz entstanden sind, behandelt die Zusammenhängen von Kinderarmut und Nahrung auch in (angeblich) reichen Städten wie Düsseldorf. 

Seltene Perlen

Natürlich hat man auf einem Filmfestival nie die Chance, alle Filme zu erleben, da viele Veranstaltungen, Workshops und Filmvorführungen parallel laufen, aber wir haben einige wirklich beeindruckende Werke gesehen wie z.B. das berührende Drama „The Winter Within“ von Aamir Bashir, der vom Leid der durch die bewaffneten Milizen unterdrückten Bevölkerung in Kashmir handelt. Ebenso wie der Vorgängerfilm von Bashir hat dieser wegen seiner vor allem in Indien politisch brisanten Thematik kaum eine Chance, dort einen Verleih zu finden und daher wird der normale Filmfan oder gar deutsche Fernsehzuschauer ein solches, in beeindruckenden Bildern festgehaltenes Werk wahrscheinlich niemals zu Gesicht bekommen.

Der Gewinner des Kurzfilmpreises war ein älterer Herr, der sich die meiste Zeit recht unauffällig am Rande der Menge (siehe Foto) bewegte, aber dessen Film uns alle in seinen Bann geschlagen hat. Rolf Broennimann, ein Zeichentrickkünstler der alten Schule, lieferte mit „Dieter“ einen sehr persönlichen Animationsfilm über seinen mit nur 50 Jahren an Demenz erkrankten Bruder ab. Der Film überzeugte nicht nur handwerklich, sondern dürfte allen Zuschauern beim Open-Air-Kurzfilmabend die Tränen in die Augen getrieben haben. Zumindest mir ging es so.

Mit „Starfood“, der in der Sektion „Filme für Kinder“ im Saal 4 des Kinopolis in Bad Homburg lief, waren wir dankenswerterweise für den „Best Food Film“ nominiert, einer von insgesamt vier Kategorien beim Festival. Und es gab nur einen einzigen Konkurrenten: den Kurzfilm „Channel Bibi“ des amerikanischen Filmemachers Rajan Gill, der von einer indischen Familie in den USA handelt, die in drei Generationen die verschiedenen Stufen von Integration illustriert. Und zwar anhand der traditionellen Gerichte der Großmutter, die von ihrer Enkelin zum Social-Media-Star gemacht wird. Als wir den Film sahen, wussten wir sofort, dass wir kaum eine Chance hatten und „Channel Bibi“ hat zurecht den Preis für den „Best Food Film“ erhalten.

Breites Spektrum

Natürlich gab es auch bekanntere Filme, die ihr Publikum leichter erreichen. Der Eröffnungsfilm „Was uns verbindet“ der französischen Regisseurin Carine Tardieu, feierte gleichzeitig mit der Eröffnungsgala seinen deutschen Kinostart und auch der Gewinnerfilm für „Best Integration Film“, die sensible Dokumentation „Im Osten was Neues“ der Regisseurin Loraine Blumenthal, der bereits einen festen Sendetermin im ZDF (Kleines Fernsehspiel) hat, hat natürlich nicht zuletzt wegen seiner Thematik kaum Probleme, deutsche Kritiker und Zuschauer zu erreichen und auch zu überzeugen.

Ich kenne einige Menschen, denen ich diesen Dokumentarfilm über einen Ex-Nazi in Mecklenburg-Vorpommern, der seinen alkoholisierten rechtsextremen Sümpfen entkommen ist und nun als Fußballtrainer für Flüchtlinge arbeitet, gerne mal zeigen würde. Nicht nur „Eichi“, der Protagonist, der mit dem Gewissen über seine gewalttätige Vergangenheit hadert, steht im Fokus des Films, sondern auch einige einer Schützlinge, die im rassistischen deutschen Asylsystem in der ständigen Angst vor der möglichen Deportation leben. Wer den Film sehen möchte, bekommt ab dem 18.9.2025 seine Chance. Da feiert er laut Webseite seinen Kinostart. 

Neben solchen, vorsichtig formuliert, mainstreamigeren Filmen, liefern Filmfestivals jedenfalls die Chance, Filme zu sehen, die völlig abseits der gewohnten Pfade existieren. Wer gewohnheitsmäßig ins Kino geht oder sich von den handelsüblichen Streaming-Anbietern einlullen lässt, bekommt nichts mit von diesen Werken, die im Allgemeinen mit wahnsinnig viel Herzblut und großer Aufopferung hergestellt werden.

Filmemacher, Schauspieler, Künstler: vernetzt Euch!

Der wichtigste und beste Grund für uns, die wir vor allem im Independent-Bereich für eine lebendige Filmkultur arbeiten, schwitzen, bluten, schreiben und leben, ein Filmfestival zu besuchen ist jedoch der bereits erwähnte: Man lernt andere Menschen kennen. Kollegen, die auf parallelen Pfaden wandern, mit den oftmals gleichen Schwierigkeiten konfrontiert sind, kreative Lösungen finden müssen und immer und überall Feedback, Kritik, Anerkennung und Bestätigung brauchen. Und ein gutes Festival schafft diese Möglichkeiten, wenn man die Kosten und die Mühe für die Anreise auf sich nimmt.

Als wir für „A Living Dog“ unterwegs waren, habe ich erst beim hervorragenden Snowdance Independent Filmfestival, damals noch in Landsberg am Lech, gemerkt, wie wertvoll diese Kontakte sein können. Beim Snowdance 2024 in Essen habe ich zum Beispiel die Filmemacherin und Schauspielerin Mersiha Husagic kennengelernt, die mit ihrem genialen Film „Cherry Juice“ eine fast identische Produktionsgeschichte durchgemacht hat wie wir mit „A Living Dog“. Crowdfunding, Budget, Teamgröße, Drehdauer, Postproduktionsdauer, alles war fast exakt dasselbe. Im Kino bei „Cherry Juice“ saß ich neben Hannes Jaenicke, der nur kopfschüttelnd bezweifelte, dass man mit so wenig Geld einen richtigen Spielfilm drehen könne. Ich konnte nur schmunzeln, weil ich ja wusste, dass das die Summen sind, mit denen wir Indie-Filmemacher konstant arbeiten müssen.

Beim diesjährigen Snowdance lernte ich Jurij Neumann kennen, der seinen Film „Kartenhaus“ vorstellte und letzte Woche haben wir uns auf dem Taunus Filmfest wieder getroffen. Er grämte sich, weil die Postproduktionszeit für seinen Film so viele Jahre gedauert hatte und ich war gleichzeitig beruhigt, weil auch „A Living Dog“ vier Jahre gebraucht hatte und auch der Dreh von „Shadow Road“ liegt mittlerweile drei Jahre zurück und ich arbeite noch immer daran. Solche Erfahrungswerte miteinander teilen, kann enorm wertvoll sein und einem immer mal wieder ins Gedächtnis rufen, dass man nicht allein ist mit diesen Problemen.

Ihr wisst: Wir müssen uns der kapitalistischen Marktlogik nicht unterwerfen, da wir vom Markt ja ohnehin so gut wie ausgeschlossen sind.

Wir sind keine Konkurrenten.

Wir sind Kollegen.

5… 4… 3… 2… 1… Geschafft? In meinen Workshops z.B. im Filmmuseum Düsseldorf oder im Jungen Schauspiel gebe ich Kindern, Jugendlichen oder Erwachsenen regelmäßig solche Aufgaben. Aus dem Nichts eine Szene erschaffen und als Starthilfe zwei bis vier kleine Bedingungen. Niemand startet gerne mit einer leeren Seite.

Vor einigen Wochen habe ich mal wieder zwei Filmworkshops innerhalb eines Tages gegeben. Den ersten für Kinder und den zweiten für Erwachsene (gestandene, im Berufsleben stehende Menschen mit gutem durchschnittlichem Monatsgehalt bei einer weltweit bekannten Firma). Und es zeigte sich eine Tendenz, die ich bereits unzählige Male erschrocken feststellen musste.

Wer ist kreativer?

Kinder haben überhaupt kein Problem, eine solche Aufgabe zu lösen. Sie haben in kürzester Zeit sogar mehrere Ideen für Szenen und das einzige Problem besteht darin, sich auf eine davon zu einigen. Erwachsene dagegen zücken ihr Handy und befragen ihre sogenannte „künstliche Intelligenz“, damit diese ihnen eine Szene schreibt (ich muss hier keine Werbung machen; ihr wisst schon, welche ich meine). Sie sind nicht (mehr) in der Lage, eine kurze einfache Szene zu erdenken, ohne eine von Konzernen zur Verfügung gestellte (selten kostenfreie) Krücke zu benutzen. Und hier geht es nicht darum, „Lawrence von Arabien“ oder „Interstellar“ neu zu erdenken. Es ist die simpelste Form von kreativem Output. Und viele Erwachsene sind nicht mehr in der Lage, einen solchen zu liefern.

Nun ist das zunächst mal nicht schlimm und eine solche Szene zu schreiben, gehört kaum zu den überlebenswichtigen Fähigkeiten. Kreativität an sich dagegen schon: Ob ich in der Lage bin, schnell eine eigene Lösung für ein auftauchendes Problem zu finden, um die Ecke zu denken, einen Weg zu nehmen, der nicht schon von tausend Vorgängern freigetrampelt wurde, kann sich in gewissen Situationen durchaus als lebensrettend erweisen. Auch im normalen Alltags- und Berufsleben sind kreative Lösungsansätze immer wieder nützlich.

Kinder haben diese Fähigkeit, denn sie wenden sie ständig an, sei es im Spiel oder wenn es darum geht, dem Lehrer eine glaubhafte Ausrede aufzutischen. Es ist sicherlich ein Gemeinplatz, darauf hinzuweisen, dass wir Fähigkeiten verlieren, die wir zu oft an andere delegieren oder sogar Technologien überlassen, die wir nicht einmal verstehen. Und die meisten Menschen, mit denen ich über „K.I.“-Nutzung spreche, weisen wirklich eklatante Wissenslücken auf und überschätzen die Fähigkeiten der „K.I.“ einerseits maßlos (dazu empfehle ich das sehr gute Buch „Kommunikation mit unverständlichen Maschinen“ von Elena Esposito) und unterschätzen dafür das schädliche Potenzial extrem (mehr dazu im sehr empfehlenswerten Buch „Atlas der KI“ von Kate Crawford).

Studie zur „K.I.“-Nutzung

Parallel zu diesen beunruhigenden Beobachtungen stieß ich über den „Die neuen Zwanziger“-Podcast von Stefan Schulz und Wolfgang M. Schmitt auf eine hochinteressante Studie darüber, wie sich die Nutzung von „Künstlicher Intelligenz“ (ja, ich setze die Anführungszeichen bewusst) auf die Gehirnkonnektivität auswirkt. Und ja, die Ergebnisse sind erschreckend. Darüber hinaus stellt sich abgesehen von der direkten physiologischen Wirkung auch ein Phänomen ein, das zwar plausibel aber den meisten wahrscheinlich dennoch nicht bewusst ist: Es macht weniger Spaß.

Eine eigene Geschichte schreiben, ein Gedicht zu entwickeln, eine Lösung für ein schwieriges Problem finden ist zwar zunächst anstrengend, aber umso weiter wir in unserer Geschichte oder unserer Lösung kommen, desto befriedigender wird die Arbeit daran. Und im Nachhinein identifizieren wir uns mit dem Ergebnis und sind stolz darauf. Niemand ist stolz auf einen fremden Text, den er nur redigiert hat. Und wie einem fortgeschrittene Programmierer (z.B.) bestätigen, sind bei den Programmier-Ergebnissen „Künstlicher Intelligenz“ eine Menge Korrekturen nötig. Ebenso bei den lächerlichen „künstlerischen“ Ergebnissen, welche die diversen Algorithmen bisher ausgespuckt haben.

Drei Wochen pure Kreativität

Nur wenige Tage nach dem Doppel-Workshop begann ich zum mittlerweile zwölften Mal als Betreuer beim „Düsseldörfchen“ zu arbeiten, der von Akki e.V. Düsseldorf veranstalteten „Stadt der Kinder“, die seit 1989 jedes Jahr in den Sommerferien stattfindet. Doch dieses Jahr arbeitete ich nicht wie sonst (fast) immer im Bereich Filmstudio, um mit Kindern einen Film zu produzieren (siehe letztes Jahr).

Diesmal widmete ich mich mit zwei wunderbaren Kolleginnen dem Journalismus und dem kreativen Schreiben in der Zeitung. Und nach den vergangenen Erfahrungen wollte ich einen Overkill an kreativem, fiktionalem Schreiben erreichen und mit den Kindern gemeinsam den Spaß am Entdecken eigener Geschichten, dem Verfolgen der eigenen fantastischen Ideen und der Freude daran, was man mit Sprache alles anstellen kann.

In diesen drei Wochen sind in der „Oasischen Post“, die pünktlich jeden Morgen erschien, neben den normalen Berichten über das Stadtgeschehen unzählige Gedichte, Kurzgeschichten und auch längere Fortsetzungs-Erzählungen entstanden.

Wir lasen gerne mal den Ernst Jandl des Tages, ein Dichter von dessen „Verrücktheit“ die Kinder völlig fasziniert waren. Manche wollten lernen, was ein Haiku ist, wir übten uns in endlosen Kettenwörtern, Alliterationen und den unmöglichsten Reimen. Es fand ein Poetry Slam statt, bei dem die Kinder ihre Werke vor den anderen 300 Düsseldörfchen-Bewohnern auf der großen Bühne vortragen konnten und sie lernten, mit einer altmodischen Schreibmaschine zu tippen, bei der jeder Fehler zu einem Teil des Werkes wird und man dadurch ein völlig anderes Verhältnis zum eigenen Schreiben entwickelt.

Viele der Texte wurden auch online auf der Webseite von Akki veröffentlicht und man kann sie hier jederzeit nachlesen. Es sind ein paar wirklich äußerst gelungene, spannende, witzige und unterhaltsame Ergebnisse dabei.

Vielen Dank an dieser Stelle noch einmal an meine beiden Mitstreiterinnen Muriel Lienkamp und meine Frau Pia Raboldt, die den Zeitungsbereich zu einer kreativen Oase inmitten der großen Stadtoase „Düsseldörfchen“ gemacht haben, die wiederum von Sonja Hirschberg und Katharina Termath großartig organisiert, gestaltet und geleitet wurde.

Ich habe hier neulich schon einmal darüber geschrieben, wie elementar wichtig die Beschäftigung mit Kunst und Kultur für die Empathieentwicklung und außerdem der eigene künstlerische Ausdruck für das Bewusstsein von Selbstwirksamkeit sind. Projekte wie das „Düsseldörfchen“, bei denen Kinder in völliger Eigenregie den Bereich wählen (und auch spontan wechseln) können, in dem sie sich betätigen, von Profis die nötigen Werkzeuge und Hilfestellung zur Verfügung gestellt bekommen, werden von Jahr zu Jahr wichtiger. Allein schon in der Hoffnung, dass die nächste Generation nicht mit Anfang 30 schon das Handy zücken muss, um sich die Schnürsenkel binden zu können.

Die Zukunft der Kreativität

Ich will hier nicht anfangen zu unken und weiß ebenso wenig wie der Rest von uns, wohin sich das alles entwickeln wird. Viele neue Technologien werden zunächst (vor allem seitens ihrer Erzeuger) völlig überhyped und pendeln sich danach dann auf ein entspannteres Niveau ein, sobald klar geworden ist, welche Versprechen die Technologie halten konnte und welche nicht (erinnert sich noch jemand an die Oculus Rift und daran, wie man an jeder Straßenecke damit zugetextet wurde?). Aber die Tatsache, dass die (hier nicht genannte) „K.I.“ unselbstständiger Erwachsener zum Zeitpunkt, wo ich diesen Beitrag verfasse, weltweit auf Platz 6 des Webseiten-Rankings steht, während Wikipedia gerade auf Platz 13 abgerutscht ist, finde ich erschreckend (Quelle: similarWeb).

Die meisten Webseiten-Klicks, die ich hier auf der Nocturnus Film registriere, stammen von Webcrawlern und nicht von Menschen. Wer keine Beiträge oder Artikel von Menschen mehr liest, wird auch nicht mehr auf die Idee kommen, selber welche zu schreiben. Wohin soll das führen? Woher sollen die „K.I.“s demnächst ihre geklauten Texte nehmen, wenn niemand mehr etwas schreibt? Habt ihr eine „K.I.“ mal zu einem Thema befragt, über das im Netz nicht viel geschrieben wurde? Sie antwortet wie ein gewisser Clown auf einem Präsidentenstuhl: Mit dem größten Selbstbewusstsein völligen Unsinn. Aber: Wie können wir den Unsinn vom Sinn unterscheiden?

Trainiert eure Sprache

Ein Autor kann euch diese Frage problemlos beantworten: Hört auf die Sprache. Seht und hört euch verschiedene Ansichten und Meinungen an und achtet darauf, wie sie formuliert sind.

Dafür muss man sich jedoch mit Sprache auseinander setzen. Man muss lesen (Bücher!) und am besten so oft wie möglich auch selbst schreiben. Dann kann man den Unsinn recht leicht vom Geschwätz unterscheiden. Aber dafür sollte man sich diese elementaren Fähigkeiten nicht (ab-)nehmen lassen. Oder?

Für eine positivere Stimmung gibt’s hier zum Abschluss noch ein kleines Gedicht, das im Düsseldörfchen zum Spaß von einem nicht näher genannten Betreuer getippt wurde…

Das macht nämlich Spaß!

Und beim nächsten Beitrag geht’s wieder um Filme. Versprochen!

Wir leben in einer Welt, in der das visuelle Erzählen ebenso wichtig ist wie es auch weiterhin unterschätzt bleibt. Bilder zu „lesen“, sie einzuordnen, ihre Gemachtheit zu durchschauen (siehe unsere preisgekrönte Fälschung der Mondlandung) und sich vielleicht nicht sofort und ohne reflexive Skepsis von ihnen verführen lassen, ist eine Fähigkeit, die auch den meisten Erwachsenen leider fehlt. 

Auch Regisseur Wim Wenders und die Wim Wenders Stiftung widmen sich dieser wichtigen Aufgabe. Beim Projekt „Eine europäische Schule des Sehens“ werden Schulklassen ein Schuljahr lang in mehreren intensiven Phasen der Filmrezeption und auch der Filmproduktion geübt, sich dem Medium auf intensivere und reflektiertere Weise zu nähern als der Durchschnittszuschauer. Das Projekt findet bereits zum zweiten Mal in Düsseldorf (in Kooperation mit dem Filmmuseum Düsseldorf) und auch in Berlin statt.

Angeschaut wurden mehrere wichtige Werke der Filmgeschichte (u.a. Guiseppe Tornatores „Cinema Paradiso“, Nora Fingscheidts „Systemsprenger“ und auch der geniale „Billy Elliot“ von Stephen Daldry) und auch zwei Filme von Wim Wenders („Die Gebrüder Skladanowsky“ und „Pina“) selbst waren natürlich dabei. Die Schüler sahen die Filme immer in einer thematisch gebündelten Doppelvorstellung. Die Themen reichten von „Faszination Kino“, über „Wilde Kindheit“ bis zu „Tanzleben“. Als Filmvermittler sprachen wir mit den Schülern über ihre Eindrücke von den Filmen, nahmen auch kritische Äußerungen und Rezeptionen ernst und danach ging es mit der praktischen Arbeit an die Schulen selbst. Die Schüler wurden pro Thema ermutigt, ihre eigenen Visionen mit der Kamera festzuhalten und es sind einige tolle Filme dabei entstanden.

Das große Finale

Am 27. Juni 2025 fand nun die Abschlusspräsentation einiger dieser Filme auf der großen Leinwand statt. Mit über 200 Schülern war der Saal im Düsseldorfer Cinestar ordentlich gefüllt und einige der Filmemacher (im Alter von 14-18 Jahren) selbst wurden von Moderatorin Ute Soldierer auf der Bühne interviewt. Unterstützt von Hella Wenders, Anika Lecomte und Donata Wenders war auch der Regiegroßmeister Wim Wenders selbst dabei und hatte sichtlich Spaß an den filmischen Ergebnissen dieser neuen Generation von (hoffentlich ein paar) Filmemachern. Auf der Bühne stellte er sich geduldig den vielen Fragen der Schüler, bevor dann Fotograf Sven Vüllers das große Abschlussfoto mitr allen jugendlichen und erwachsenen Teilnehmern machte.

Ich selbst durfte auch kurz auf der Bühne meinen Senf dazu geben und habe die Gelegenheit genutzt, ein Plädoyer für kreative Selbstbestimmung von Kindern und Jugendlichen zu halten, denen viel zu oft von Erwachsenen erzählt wird, welche Themen sie zu behandeln oder gar wegzulassen haben. Doch wie wir wissen, ist eigenständige kreative Betätigung der erste und wichtigste Schritt im Bewusstsein davon, dass man seine Welt gestalten kann.

Nur eine Generation von jungen Erwachsenen, die man früh ermutigt hat, eigene Ideen in die Tat umzusetzen, kann auch eine Gesellschaft jenseits von vermeintlichen „Alternativlosigkeiten“ und sogenannten „Sachzwängen“ phantasieloser Bürokraten neu denken und verändern.

Wer einmal erfahren hat, dass man eine Idee, die man vorher nur in der eigenen Imagination mit sich herumgeschleppt hat, plötzlich auf der großen Kinoleinwand, als Gemälde an der Wand, als Skulptur in den Händen, als Spiel auf der Bühne oder als Musikstück in den Ohren erleben kann, der kann diese Fähigkeit auch noch weiter in die Welt hinaus tragen. 

Und wer momentan häufig genug die Nachrichten liest, der weiß, wie dringend wir diese Fähigkeit brauchen.

Dass wir alle gemeinsam auf diesem kleinen Kontinent Europa leben, unsere Schicksale miteinander verknüpft und wir verwandter sind als wir manchmal vermuten.

Seit mehreren Jahren nun nehme ich als Jurymitglied regelmäßig teil am Schülerwettbewerb – Begegnung mit Osteuropa, einem Projekt der Bezirksregierung Münster, die unter der Leitung von Sonja Smodis diese einzigartige, komplexe und dynamische Geschichte reflektiert und in das Beste verwandelt, das die Menschen überhaupt hervorbringen: in Kunst.

Tausende von Schülern aus Nordrhein-Westfalen und osteuropäischen Ländern wie Polen, der Ukraine, Moldawien, Ungarn, der Slowakei oder Tschechien haben in den 72 Jahren, in denen es diesen Wettbewerb bereits gibt, gemeinsam oder allein Kunst produziert.

Von gemalten Bildern über Skulpturen, Filmen, Fotoreihen, Kochbüchern, Collagen oder Dokumentationen, in denen die Geschichte Osteuropas aufgearbeitet wird; die Werke sind jedes Mal frisch, überraschend und stimmen optimistisch: Die Schüler erzählen von ihren Wünschen und Hoffnungen für Europa, ihrem Traum von einem friedlichen Miteinander, von Kooperation und dem Recht jedes Menschen, ein selbstbestimmtes, freiheitliches und offenes Leben zu leben.

Allein in diesem Jahr erreichten über 2000 Kunstwerke die Bezirksregierung Münster von insgesamt über 5000 Schülern aus 13 ost- und mitteleuropäischen Ländern. Eine wahnsinnig beeindruckende Leistung und ein klares Signal für ein starkes, kreatives und kooperatives Leben auf unserem Kontinent. Es ist nie leicht für die insgesamt 40 Juroren, aus den vielen Einsendungen die Gewinner zu ermitteln, deren Arbeiten am überzeugendsten, stärksten, beeindruckendsten oder ergreifendsten waren. Doch auch in diesem Jahr (gestern, um genau zu sein) war es wieder soweit. 

In der frisch erbauten Stadthalle von Rheda-Wiedenbrück fand die große Preisverleihung mit über 150 Besuchern statt und die 40 Preisträger bekamen von Dr. Dominik Paul, dem Abteilungsleiter im Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, ihre Preise überreicht. Viele junge Künstler waren dafür extra aus Slowenien, der Ukraine, Kroatien und anderen Ländern angereist und nahmen stolz ihre Urkunden und Preise entgegen.

Ich (Daniel Raboldt) war zum ersten Mal auch bei der Verleihung dabei, denn ich arbeite momentan an einem Imagefilm über den Wettbewerb. Im März habe ich bereits die mehrtägige Jurorentagung (an der ich ja ohnehin teilgenommen habe) begleitet, um die Arbeit der Jury zu dokumentieren. Ich freue mich schon wahnsinnig auf den Wettbewerb im nächsten Jahr 2026, wenn das neue Thema lautet: „EUROPA – WestOstWärts!“

Und sollte es hier mitlesende Lehrer aus NRW geben, die noch nach Kontakten für Partnerschulen in Osteuropa suchen, dann werden sie hier fündig.

Der Film „Nacht und Nebel“ von Regisseur Alain Resnais („Hiroshima Mon Amour“, „Auch Statuen sterben“) war der erste Dokumentarfilm, der im Jahr 1956 eine breite Bevölkerung mit den Verbrechen des Nationalsozialismus konfrontierte. Entstanden durch die unermüdliche Archivarbeit der französischen Historikerin Olga Wormser und vieler anderer gelang den Machern damals ein Werk, das nicht die Überwältigung suchte, sondern neben den schockierenden Aufnahmen aus den Konzentrationslagern auch anstrebte, das mörderische faschistische System zu beleuchten und zu analysieren, das dazu geführt hatte.

Entgegen dem ursprünglichen Plan, einen traditionellen, die Fakten aufzählenden Dokumentarfilm zu machen, wählte der künstlerisch ambitionierte und rebellische junge Regisseur Resnais einen anderen Weg. Er wusste, dass ein einfaches Aneinanderreihen von Zahlen und Daten und Bildern die Zuschauer entweder komplett überfordern oder – was noch viel schlimmer gewesen wäre – der gleichen kalten bürokratischen Logik folgen würde, wie die Verbrecher, die er bloßstellen wollte.

Mit dem Voice Over des ehemals von den Nazis deportierten Schriftstellers und Lyrikers Jean Cayrol (behutsam und eindrucksvoll ins Deutsche übertragen durch Paul Celan) und der kontraintuitiven und kontroversen Musik von Schönberg-Schüler Hanns Eisler produzierte er einen Film, der bis heute nichts von seiner Wirkung verloren hat, wenn er auch leider ein wenig in Vergessenheit geraten ist.

Damals führte er bei Erscheinen nicht nur zum Einschreiten der französischen Zensur, die das Bild eines mit den Nazis kollaborierenden Gendarms entfernt sehen wollte, sondern auch wegen des Eingreifens des deutschen Botschafters zu einem diplomatischen Skandal. Die deutsche Regierung verlangte, dass „Nuit et Bruillard“ (so der Originaltitel) still und heimlich aus dem Programm des Cannes Filmfestivals entfernt werden sollte und der französische Informationsminister kam dem nach. Es bedurfte der internationalen Proteste, unter anderem durch Schriftsteller wie Heinrich Böll und Wolfgang Hildesheimer, um den Film dann doch noch außer Konkurrenz in Cannes zeigen zu können.

Am letzten Mittwoch habe ich auf Schloss Moyland (Bedburg-Hau) einen Vortrag halten dürfen über die Entstehungsgeschichte des Films, seinen besonderen künstlerischen Anspruch und auch die darum entstandenen Kontroversen. Im anschließenden Publikumsgespräch, das zum Teil sehr emotional geführt wurde, wurde uns allen noch einmal bewusst, wie aktuell der Film bleibt. Alain Resnais und Jean Cayrol betonten bewusst die Universalität des Grauens und sprachen an alle nachkommenden Generationen, also auch an uns, eine deutliche Mahnung aus.

Der Dokumentarfilm endet zu den Bildern der Ruine eines Konzentrationslagers, größtenteils begraben unter Gras und kaum zu erkennen, mit folgenden Zeilen:

Die aktuelle Situation

Wir sehen aktuell, wie die Vereinigten Staaten, die erste moderne Demokratie in einer faschistoiden Diktatur versinken. Rechtspopulistische Personen wie Georgia Meloni gratulieren Trump ganz offen zu seinem brutalen Vorgehen. Wir haben in Deutschland eine rechtsextreme Partei, die mehr und mehr Fanatiker und Menschenfeinde für sich zu begeistern vermag, einen CDU-Kulturstaatsminister, der von rechten Signalphrasen wie „Familie, Heimat, Nation, Geschichte, Kulturkreis, Ordnung, Eigentum, Tugend und Religion“ (Zitat aus seinem ekelerregenden „Konservativen Manifest“, das ich hier nicht verlinken möchte) träumt, während die Kultur, die ihm angeblich so wichtig ist, gerade finanziell von seinen Parteigenossen zertrümmert wird. Wir haben einen Blackrock-Kanzler, der sich bestens mit Trump versteht und einen Innenminister, für den Gerichtsbeschlüsse zur Migration nur freundliche Anregungen darstellen, die man getrost ignorieren kann.

Es ist – um noch einmal kurz daran zu erinnern – das oberste Prinzip eines Rechtsstaats, dass das Recht nicht nur für die Bürger sondern gerade auch für den Staat und seine Vertreter gelten. Hier wird also nicht nur ein einzelnes Urteil ignoriert sondern das wichtigste rechtsstaatliche Prinzip überhaupt ausgehöhlt.

Ein Meisterwerk wie „Nacht und Nebel“ ist kein simples historisches Dokument. Es tut das, was ein Dokumentarfilm und Kunst im Allgemeinen tun sollten, nämlich über einen konkreten Moment und das spezifische Individuum hinaus verweisen. „Das Bild wird Kunst, wenn es uns einen Blick auferlegt, an den wir uns nicht gewöhnen“, schrieb Jean Cayrol einst (zitiert nach dem fantastischen Buch „Nacht und Nebel – Ein Film in der Geschichte“ von Sylvie Lindeperg). Der Film ist eine Warnung, eine Analyse und er stellt uns vor eine Aufgabe.

Unsere Aufgabe

Die Grauen des Nationalsozialismus mögen – für manche – lange her sein, die meisten Zeitzeugen sind nicht mehr am Leben und über die Massengräber und Mordstätten ist Gras gewachsen. Aber das Kleben an der Macht, der Hang vermeintlich Schwächere zu drangsalieren, sie zu internieren, deportieren, verhöhnen und – letzten Endes – zu ermorden, ist eine Krankheit, die wieder und wieder auftreten und im schlimmsten Fall zur Epidemie werden kann. Wir sehen diese Krankheit aktuell (in sozialen Medien) unter den maskierten Masken der Beamten, die wehrlose Menschen aus ihren Häusern ziehen, sie auf der Arbeit, auf der Straße, im Supermarkt zu Boden drücken, weil sie die falsche Hautfarbe haben, sie durch die Innenstädte jagen, weil sie einem barbarischen Identitätswahn nicht zugehören wollen oder können.

Auch in den zynischen, kalten Gesichtern von Politikern, die von „Remigration“ und völkerrechtswidrigen „Grenzschließungen“ sprechen, die nach „Meinungsfreiheit“ schreien, aber stets als erstes gegen Publizisten, Journalisten, Universitäten und Künstler vorgehen, ist sie erkennbar. Und sie findet sich in den Gesichtern derjenigen, die sich wegdrehen, die mit den Schultern zucken und den Barbecue-Grill anschmeißen, während Deutschland Waffen in Kriegsgebiete schickt und die Dividenden steigen. 

Es ist unsere Aufgabe und es bleibt unsere Aufgabe, uns dem entgegenzustellen. Alle Freiheiten, die wir haben (wenn wir denn welche haben) wurden immer GEGEN Staat und Kirche erstritten. Wir sollten uns nicht auf ausgerechnet diese beiden Akteure verlassen, wenn wir wollen, dass alles irgendwie gut wird. Die Macht ist immer nur auf ihrer eigenen Seite.

Solidarität engagiert sich für den Anderen. Es muss nicht mein „Nächster“ sein.

Bereits im Grundschulalter verlieren wir Stück für Stück die Fähigkeit, uns in andere Lebewesen (vor allem natürlich Menschen) hineinzuversetzen, fremde innere Zustände erfolgreich zu lesen und die eigenen zu kommunizieren. Es sei denn, wir werden frühzeitig mit Kunst und Kultur konfrontiert. Sei es Theater, seien es musikalische Aufführungen, Filme, Bücher oder eine „simple“ Clownsshow. Noch besser ist es, wenn wir selbst als Kinder dazu angeleitet werden, uns kreativ zu äußern und künstlerisch zu betätigen. Dann nämlich steigen sowohl Empathie als auch die Wahrnehmung und Äußerungskompetenz innerer emotionaler Zustände.

Für uns Kulturschaffende ist dies keine Neuigkeit. Was aus einer Gesellschaft wird, der es an Kunst und Kultur mangelt oder in der beides an die erstickende Leine einer Zensur (sei sie offen oder versteckt), ist ebenfalls aus unzähligen historischen Beispielen bekannt. Welche grausamen Ergebnisse das Ende von Empathie und emotionaler Reife bedeuten, kann man zurzeit nicht nur im Ausland (USA, Naher Osten, Kongo, Ukraine u.v.m.) sondern in steigendem Maße (20% bei der letzten Wahl…, ihr wisst, wer gemeint ist) auch hierzulande beobachten.

Westwind 2025

Vom 31. Mai bis zum 6. Juni 2025 fand in Düsseldorf nun das Westwind Festival statt, das 41. Theatertreffen für junges Publikum in Nordrhein-Westfalen. Also genau die Art von Kultur, die gegen das oben erwähnte Absterben der Empathie ankämpft. Zehn Theatergruppen standen mit ihren Stücken im Wettbewerb um die Preise der Kinderjury, der Jugendjury und der Fachjury und begleitet von sieben weiteren Inszenierungen und einem umfangreichen Begleit-Programm, das aus Diskussionsrunden, Fachgesprächen, einem Straßenfest, Panels und diversen hochspannenden Workshops bestand.

Unter anderem ging es hier um das Projekt 10children.org, für das Daniel Raboldt zusammen mit Kindern vom Düsseldorfer Marie-Curie-Gymnasium, der Gesamtschule Stettiner Straße und der Gerricus-Schule den Film „Starfood – Sushi im Weltall“ produziert hat, darüber hinaus gab es einen Workshop zum Umgang von Kulturschaffenden und Pädagogen mit dem Rechtsruck in Deutschland und – last but not least – überzeugte das Festival, das unter dem Motto „arts for change“ stand, mit einem Workshop der beiden New Yorker Pädagoginnen und Forscherinnen Lindsey Buller Maliekel und Courtney Boodie.

Unter dem Titel „Spark Change – The Impact of Performing Arts on Children“ stellten sie ihre fünfjährige Studie an zwei New Yorker Schulen vor, die die oben erwähnten Zusammenhänge zwischen Kulturgenuss (und Kulturschaffen)  und der erfolgreichen emotionalen Entwicklung eines menschlichen Lebens endlich Schwarz auf Weiß belegen konnten. Und die Zahlen sind wirklich beeindruckend eindeutig.

Straßenfest am Worringer Platz

Bereits zum Auftakt ließen das Junge Schauspiel Düsseldorf, das tanzhaus NRW, das Forum Freies Theater Düsseldorf und unzählige weitere Einrichtungen (u.a. das WP8, das „Freibad“ am Worringer Platz, das Eiscafé Stefan, das Balkan House u.v.m.) Düsseldorf spüren, wie bunt, aufgeschlossen, aufweckend, hoffnungsfroh und abenteuerlustig eine – für gewöhnlich – eher traurige und triste Ecke wie der Worringer Platz erstrahlen kann. Zahlreiche Artisten, Tänzer, Sänger, Zauberer, Schauspieler, Maler, Köche, Podcaster, Bildhauer und – ja, auch mindestens ein – Filmemacher verwandelten die graue Betonwüste in eine lebensfrohe Oase des Aufbruchs und der Solidarität.

Doch genau dieses Festival stand unter dem düsteren Stern erbärmlich schlechter Nachrichten aus der Politik. Das Kulturministerium des Landes NRW unter der Leitung von Ina Brandes (CDU, wer hätte es ahnen können?) gab am 14. Mai bekannt, dass es angesichts der stabilen gesellschaftlichen und politischen Lage (okay, das war eine Hinzufügung von mir, D.R.) eine Spitzenidee sei (ups, schon wieder), bei den Förderungen für Theater und insbesondere Kindertheater gravierende Einsparungen vorzunehmen. Und zwar in einem Ausmaß, das mehrere renommierte Gruppen und Einrichtungen um ihre Existenz fürchten lässt. In Zeiten, in denen wir (auf Bundesebene) Milliarden in eine marode Bundeswehr kippen, um Granaten, Panzer und vor allem Beraterhonorare zu finanzieren, scheint es unmöglich zu sein, zeitgleich in die Stabilisierung des gesellschaftlichen Zusammenhalts und die Resilienzbildung und emotionale Reife der nächsten Generation zu investieren. Man muss kein Ökonom sein, um zu wissen, welche von beiden Optionen eine Investition in die Zukunft (mit nachweisbarer Rendite) ist und welche ein Verbrennen von Geld mit einhundert Prozent Negativrendite ist.

Die Preisverleihung des Festivals wurde gekrönt von einer Performance der Songwriterin und Sängerin Aylin Celik, die einen fantastischen, stimmungsvollen Abschluss lieferte mit einem Lied, das der Politik einen sehr deutlichen Spiegel vor’s Gesicht hielt. Den Refrain sang der gesamte, voll besetzte Saal lautstark mit:

Und auch die Jugendjury machte ihrem Ärger in einer starken Performance ganz unverhohlen Luft.

Doch genug geschimpft: Das Straßenfest und das gesamte Festival waren ein voller Erfolg, der gezeigt hat, dass man mit uns Kulturschaffenden zu rechnen hat.

Kunst bleibt wild, außer Kontrolle und schwer zu bändigen.

Passend dazu lief am Montag auch der Film „Imagine – A wall is a big weapon„, der Abschlussfilm des Filmworkshops, den Daniel Raboldt zusammen mit Teilnehmerinnen aus der Ukraine, Deutschland und Italien für den diesjährigen „Future (T)Here“ Kongress gedreht hat und der sich – das Timing könnte kaum besser sein – mit der disruptiven Kraft von Graffiti-Kunst auseinander setzt und sie mit Zitaten von Banksy anreichert, die man derzeit in Düsseldorf in der Ausstellung „House of Banksy“ nachlesen kann.

Daniel Raboldt begleitete darüber hinaus auch sieben Tage lang das gesamte Westwind Festival sowohl filmisch als auch fotografisch und die daraus entstandene Kurzdoku „What is art?“ lief als Auftakt der finalen Preisverleihung im Forum Freies Theater Düsseldorf am 6. Juni 2025.

Letzten September gab’s hier noch den kurzen Bericht zur Premiere von „Starfood – Sushi im Weltall“, dem Projekt. Der Kurzfilm war in Zusammenhang mit dem äußerst engagierten, internationalen Projekt 10children.org von Liesbeth Coltof und Dennis Meyer und dem Jungen Schauspiel Düsseldorf entstanden. Vom 18. Januar bis Ende Februar lief in Florida das Miami International SciFi Film Festival und eröffnete tatsächlich mit „Starfood“. Wir kannten das von Troy Bernier organisierte Festival bereits, weil wir dort im Jahr 2020 schon mit dem Spielfilm „A Living Dog“ gelaufen sind und unter anderem den Preis für den Besten SciFi Thriller erhielten. Die großartige Siri Nase wurde auch als Beste Nebendarstellerin ausgezeichnet.

Und auch dieses Mal durften wir abräumen. „Starfood – Sushi im Weltall“ wurde als Bester Kinderfilm ausgezeichnet!

Der Film selbst ist noch nicht online, aber den Trailer könnt ihr euch hier anschauen. Viel Spaß!

 

 
Damit hört die Reise natürlich nicht auf. Anfang Mai läuft der Film gleich auf zwei Festivals, diesmal in Europa. Als erstes werden wir am 1. Mai 2025 in London auf dem Dreamers of Dreams Festival zu sehen sein und zwei Tage später in Irland beim Festival der Science Fiction Liebhaber, dem May the 4th Festival (nur Star Wars Fans verstehen den Scherz…) in Kerry. Dort sind wir auch bereits für die besten Visual Effects nominiert! Es heißt also: Daumen drücken!

Nein, wir sind nicht plötzlich auf die Seite herumschwurbelnder Verschwörungshampelmännchen gewechselt, sondern haben letztes Jahr zu Pfingsten bei Akki e.V. in Düsseldorf, Verein für Kunst- und Kulturprojekte mit Kindern und Jugendlichen, vier Tage lang einen Film produziert, der einstige, vermeintliche Infotainment-Sendungen wie „Galileo Mystery“ auf’s Korn nahm und sich auf Verschwörungsmythen konzentrierte. Es ging natürlich in erster Linie darum, solche Geschichten und die Strukturen ihrer Entstehung zu parodisieren. Darüber hinaus kann man Fake News besser entlarven bzw. skeptisch durchleuchten, wenn man sich bewusst ist, wie einfach ein Bild oder gar ein Video gefälscht werden kann.

Und da eines der berühmtesten Märchen das von der Fälschung der Mondlandung ist, haben wir beschlossen, sie mit den Jugendlichen zusammen einfach selber zu fälschen. Alles, was wir dafür benötigten war eine Greenscreen, eine Leiter und ein einfacher Raumanzug. Kombiniert mit einigen echten NASA-Tonaufnahmen, einer Lego-Version der originalen Mondlandefähre und einer Menge Bildstörungseffekten und die Illusion war fast perfekt.

Es scheint zwar auf den ersten Blick kontraintuitiv zu sein, Kinder und Jugendliche von der Echtheit der Mondlandung zu überzeugen, indem man sie selber fälscht. Den Unterschied zwischen den damaligen technischen Möglichkeiten und dem, was man heutzutage mit ein bisschen Kreativität und einem Heimcomputer oder gar einem Telefon erreichen kann, haben wir aber selbstverständlich auch erklärt. Das Ergebnis ist tatsächlich sehr unterhaltsam geworden und zu unserer Freude haben wir für die Szene am 15. Februar beim Kamerakinder Medienfest 2025 den 1. Preis im Bereich „Alien Abenteuer“ bekommen. Den kompletten Film könnt ihr euch in der Mediathek von Akki e.V. anschauen. Mal schauen, was wir in diesem Jahr an Pfingsten produzieren.

Den Raumanzug selbst haben manche von euch vielleicht trotz der (beabsichtigt schlechten) Bildqualität aus unserem anderen „Alien“-Abenteuer wieder erkannt. Dem Kurzfilm „The Last Survivor“ mit Siri Nase.

Einen weniger ernsthaften Zugang wählten wir (die Ricke-Brüder und Daniel Raboldt) bei unserem 48-Stunden-Film „Der – Die – Das traurige Chatbot“, den wir nach langer Abstinenz wieder für das großartige, von Petra Clemens ins Leben gerufene 2880 Grandprix du Film Festival gemacht haben. Die ausgelosten Vorgaben waren Science Fiction als Genre und der bereits erwähnte Titel. 48 Stunden später präsentierten wir einen fertigen Film, der bei der Festivalgala von der Jury mit dem dritten Platz und vom Festival mit dem Preis für das Beste Comeback ausgezeichnet wurde. Er handelt von einem depressiven Chatbot, dessen „Charme“ so ansteckend ist, dass er bereits diverse Menschen ihr Leben gekostet hat. Diese traurige Effektivität bringt jedoch eine ganz andere künstliche Intelligenz ins Spiel – und die sendet gerne Killerroboter durch die Zeit, um ihre Pläne zu verwirklichen. Kommt das jemandem bekannt vor?

Wir haben nach dem Festival nochmal ein bisschen Hand angelegt, den Film leicht überarbeitet und ihn unter dem etwas weniger sperrigen Titel „SAD CHATTY“ nun auf YouTube veröffentlicht. Vielen dank nochmal an das klasse Team, das sich nach langer Zeit mal wieder dieser Herausforderung gestellt hat.

Mit dabei waren:

Lucy Blasche, Mara Luka, Gerd Buurmann als Schauspielerinnen (Axel, Henning und Daniel haben natürlich auch ihre Gastauftritte) und außerdem der großartige Sebastian Tarcan, der Musik und Sound beisteuerte.

Viel Spaß beim Ende der Menschheit und ein paar frohe Feiertage wünschen wir Euch! Und bleibt kreativ!

In seiner Rede betonte betonte OB Stephan Keller, dass obwohl Düsseldorf eine reiche Stadt sei, das Problem der Kinderarmut im Rest der Welt doch zu dringendem Handeln auffordere. Bei der anschließenden Diskussion wurden aus dem Publikum und auch auf dem Podium jedoch auch kritische Stimmen laut, dass Düsseldorfs Reichtum (wie überall) nur einigen wenigen zugute komme und das Problem der mangelhaften Ernährung der Armut bzw. Armutsgefährdung gerade bei Kindern hier genauso drängend sei wie andernorts. Auch in Düsseldorf gilt mehr als jedes fünfte Kind als armutsgefährdet. Wer einmal zwischen den einschlägigen Stadtteilen Düsseldorfs hin und her gewandert ist, dem dürften diese Probleme ebenfalls mehr als deutlich vor Augen stehen. Da reicht es nicht, sich hinter ein paar Pelzmänteln auf der Kö zu verstecken.

Das von Dennis Meyer und Coltof initiierte internationale Projekt „10children.org“ bringt Künstler auf der ganzen Welt zusammen, um gesellschaftliche Probleme, die im Zusammenhang mit Kinderarmut stehen, auf die Bühnen, auf die Leinwände und in Vernissagen zu bringen. An mehreren Orten (u.A. in Südafrika, den USA und Indien) entsteht jeweils ein Theaterstück und aus verschiedenen Kunstrichtungen je zwei weitere Werke. In Düsseldorf kamen zum großartigen Theaterstück „Das Pommes Paradies“ (u.A. mit Cem Bingöl, Aylin Celik, Yulia Yáñez Schmidt und Leon Schamlott) von Autor Akın Emanuel Şipal noch zwei Filme hinzu. Der Dokumentarfilm „Stiller Hunger“ von Eren Önsöz und „Starfood – Sushi im Weltall“, den Daniel Raboldt zusammen mit einigen Kinder des Marie-Curie-Gymnasiums in Düsseldorf entwickelte, die auch selbst die Rollen spielen. Mit dabei waren auch Schüler der Gesamtschule Stettiner Straße und der Gerricus-Schule in Düsseldorf. Auch sie lieferten wichtige inhaltliche Einblicke in das Problem Ernährung in verschiedenen sozialen Klassen aus unterschiedlichen Perspektiven. Einige von ihnen sind auch im Film zu sehen.

Die Premiere beider Filme war ein voller Erfolg und es gab langen und begeisterten Applaus.